PAT STEIR: PAINTINGS
A partir del 9 de febrero, y hasta el próximo 7 de abril, la Vito Schnabel Gallery presenta los trabajos más recientes de Pat Steir, bajo el título Paintings (Pinturas) , la primera exposición individual, en la galería después de tres décadas, con la aclamada artista estadounidense.
Coincide, además, con Silent Secret Waterfalls: The Barnes Series, una importante instalación encargada por la Fundación Barnes en Filadelfia de pinturas monumentales de Steir que podrá verse desde enero hasta mediados de noviembre de 2019.
Ampliando las investigaciones estéticas de sus pinturas distintivas de la serie Cascadas de finales de los 80 y los 90, la exposición presenta diez nuevos cuadros de su reciente serie Split, que se distinguen por una «división» vertical central. Estos trabajos profundizan su exploración de la gravedad, el tiempo y fluidez, y hablar de un profundo refinamiento en el arco de la carrera de casi seis décadas del artista. La exposición también contará con una pintura realizada en 2013 a partir de la misma serie.
Los últimos lienzos de Steir revelan a un artista en el apogeo de sus poderes, sondeando la historia, la teoría y la materialidad de su medio para crear un efecto inefable que es visceral y complejo. La convincente progresión de su estilo y su compromiso de por vida con la pintura no objetiva se manifiestan en la forma en que la artista renuncia y al control del arnés en un proceso de «dejar ir». Su técnica característica de verter, gotear y arrojar abandonos de pintura el cepillo y entrega su material a su propio acuerdo: caer libremente y permitir que el ímpetu de la gravedad transforme la trayectoria de la pintura y el flujo sin restricciones. Para citar a Steir, ‘Chance puede darte un regalo’. Que sus nuevas obras se presenten en St. Moritz, en el contexto de un magnífico mundo alpino natural en el que la naturaleza está en constante movimiento y reconfiguración, parece particularmente apropiado.
Basado en la dialéctica conceptual, el proceso de creación de Steir está guiada por una relación intuitiva con la exploración de materiales y equilibra la dicotomía del rigor y el azar. Con una escala modesta, los lienzos cuadrados de cinco pies que se ven en la Galería Vito Schnabel despiertan una quietud meditativa, una intimidad sensual y una intensidad opulenta de campos abstractos visuales.
Junto con la exposición, se ha editado un catálogo completamente ilustrado con un ensayo de Donatien Grau.
Sobre la exposición
Pat Steir llegó a la fama en el mundo del arte de Nueva York en los años setenta. Presentada en una exposición de «Dibujo» de 1964 en el Museo de Arte Moderno, fue reconocida como una en un creciente grupo de artistas femeninas que ganaron prestigio en la escena. Tras llegar a la madurez del expresionismo abstracto y de la Escuela de Nueva York, hizo un trabajo que exploró las consideraciones artísticas de la historia de la pintura e incluyó símbolos y motivos icónicos junto con cuadrículas de color y notaciones periodísticas que plantearon preguntas sobre la representación y el artificio de la pintura misma.
En otros cuerpos de trabajo distintos, citó formalmente a los antecesores históricos del arte, como el maestro del Renacimiento del Norte Pieter Bruegel el Viejo, Leonardo da Vinci, la artista japonesa Katsushika Hokusai y Gustave Courbet, antes de renunciar a las formas literales y figurativas para centrarse en las relaciones. Entre gesto, color y línea. En las décadas que siguieron, Steir trabajó incansablemente, presionando contra las corrientes contemporáneas y las facciones de sus compañeros, para definir un dialecto pictórico cerebral y consolidar una visión en el lenguaje de la abstracción que es distintivamente suyo.
La práctica de Steir se nutre de la tensión y la interacción del rigor y el azar, arraigada en un enfoque conceptual que comparte afinidades con una generación más joven de artistas posmodernos y los de sus compañeros Mínimos y Conceptuales.
Su amistad con Agnes Martin, Sol LeWitt y John Cage fueron inmensamente influyentes en sus actividades artísticas de los años 70 y 80, y energizaron su evolución hacia un enfoque más relajado y más performativo de la pintura. El sistema de procedimientos que adopta su trabajo maduro refleja su adaptación de ideas y metodologías que descubrió en el trabajo de Sol LeWitt y el compositor de vanguardia John Cage.
Steir desarrolló un sencillo conjunto de reglas que aplicó a su proceso de elaboración: no tocar el lienzo, seleccionar sus colores y diluciones de pintura, verter o tirar la pintura desde la parte superior de los lienzos colgados verticalmente, para aplicar cada color por separado. Y trabajar en capas. Bajo la influencia de Cage, quien abrazó abiertamente el azar, el caos y el accidente en sus actuaciones y partituras musicales, Steir estableció parámetros de acción, entregándose a la gravedad y liberándose de las decisiones de toma de imágenes. Al permitir que el camino dirigido por el azar de su «pintura se vierte» para expresar su propia materialidad, trató de disociar la pintura del gesto y el gesto de la expresión, permitiendo que la imagen se manifieste.
Las pinturas divididas que se ven en St. Moritz también unen una sensibilidad espiritual y poética en deuda con su relación con el pensamiento filosófico oriental. En su juventud, Steir estudió arte chino y japonés, y de manera similar compartió con John Cage y Agnes Martin, una mentalidad que celebraba las prácticas zen e incorporaba ideas budistas y taoístas. Al ceder el control de sus vertidos y permitir que la naturaleza dicte sus composiciones, los lavados exuberantes y los velos monocromáticos de colores ricos se convierten en cuadros envolventes.
Trabajos como Orange (2018) y Orange One (2018) flexibilizan la experiencia virtuosa de Steir y la destreza técnica del color. Mientras que su proceso de pintura cede a la creación espontánea, su profundo conocimiento de los pigmentos le permite a Steir manipular y jugar con sus masas y pesos, prediciendo qué tonos emergerán y retrocederán. Una capa de colores, una encima de otra, estos lienzos dan paso a las posibilidades de las texturas y profundidades tonales, expresando la vibración o la restricción en el rango de un solo tono.
En Blanco y blanco (2018), una fisura negra cae en cascada por el centro del lienzo, dividiendo el fondo blanco con la energía que irradia de su costura. El espectador se queda paralizado por las oposiciones tonales creadas entre las dos mitades: a la izquierda, un plano fresco y sereno de blanco invierno evoca la sensación de nieve; a la derecha, gotas de plata se revelan como grietas en la capa de pigmento blanco, brillando con resplandor en un campo abstracto suelto. El lienzo recuerda dualmente a las pinturas literarias chinas en las que emergen paisajes viscerales y contemplativos, moldeados por la meditación y las experiencias de la naturaleza retenidas en la mente.
