FUNDACIÓN MAPFRE – CASA GARRIGA NOGUÉS (Barcelona)

BERENICE ABBOT – RETRATOS DE LA MODERNIDAD
La Fotografía Documental, bajo el prisma del ARTE

Una de las grandes oportunidades que dispone el público de Barcelona es contemplar exposiciones fotográficas, al margen de grandes nombres de reconocido prestigio como: Sebastiao Salgado, Annie Leibovitz o Mario Testino entre muchos otros, que, si bien profesionales y de calidad incuestionable, su vinculación con publicaciones de prestigio o encargos reconocidos, no dejan de tener una visión altamente comercial.

A los amantes del arte, y de la fotografía como ARTE, nos gusta contemplar buenas fotos, donde lo importante es la esencia de la misma, la escena, el personaje o el contexto. El nivel técnico y fotográfico se aprecia, pero se estima con pasión el impacto visual, la emoción de contemplar, la reflexión al observar y el conocimiento obtenido.

Desde su aterrizaje en Barcelona, a finales del 2015, Fundación Mapfre ha presentado una serie de exposiciones fotográficas: Hiroshi Sugimoto, Duane Michaels, Bruce Davidson, Peter Hujar, etc.- que a buen seguro, más de una de estas muestras,  han llamado poco la atención del gran público, e incluso de fotógrafos profesionales o aficionados.

A pesar de la publicidad y de la colaboración explícita – ¿tal vez obligada? de los medios de comunicación generalistas y alguno de especializado, y sin disponer de cifras, tales exhibiciones de imágenes implican un juego intelectual, poco atractivo, en general, a excepción de unos pocos visitantes incondicionales, o fehacientes fotógrafos.

En esta ocasión, la ciudad condal tiene la oportunidad de contemplar la obra de Berenice Abbot (1898-1991). Una mujer que: antes que decente era fotógrafa, según ella misma se definía,  lo que implicaba que, su visión de la realidad, en una época como los años 30, donde la Gran Depresión hacía mella en los americanos, que incluso obligó a algunos a ir a la entonces URSS (Ahora la Rusia del zar Putin), en busca de trabajo, y se encontraron con una feroz dictadura y precarias condiciones de existencia), no fuese idealizada, pero si poderosa.

La muestra, la mayor retrospectiva de Berenice Abbot, ha sido comisariada por Estrella de Diego, profesora de Arte Contemporáneo en la Universidad Complutense de Madrid, y que en 1998-99 ocupó la cátedra King Juan Carlos I of Spain of Spanish Culture and Civilization en la Universidad de Nueva York.

Dividida en tres secciones: Retratos, Ciudades y Ciencia, consta aproximadamente de un número cercano a las 200 imágenes.

En la rueda de prensa de presentación de la muestra, Nadia Arroyo, directora de Cultura de Fundación Mapfre, en sustitución de Pablo Jímenez Burillo, comenta la personalidad de Abbot, quien no procedía de la clase acomodada, y que gracias a su perseverancia y espíritu de lucha, consiguió sus metas y reconocimiento profesional.

Hizo hincapié en la calidad técnica de la muestra, copias vintage revisadas por la comisaria de la misma,  de la procedencia de algunas imágenes haciendo especial mención en el MIT (Massachusetts Institute of Technology) por la aportación de la fotografía científica, hablando finalmente sobre el catálogo que acompaña a la muestra, y de la itinerancia de la misma hacia Madrid y posteriormente Ámsterdam, agradeciendo a su vez a la Filmoteca de Catalunya y al Institut d’Estudis de fotografía de Catalunya su colaboración con la exposición, especialmente éste último estamento que ha convocado a sus alumnos a aportar su trabajo y visión de la misma.

A continuación y tras los agradecimientos de rigor, Estrella de Diego tomó la palabra, y confirmó la supervisión de las imágenes presentadas, glosando las características de la personalidad de Abbot: Ella era moderna antes de la modernidad.

Mujer de pocos recursos económicos, quedó prendada del ambiente del Village de Nueva York de los años 20, decidiendo apostar por la fotografía, llegando a ser asistente del famoso fotógrafo Man Ray.

Las imágenes que se exhiben sobre la gran manzana, y que llevan por título “Chanching New York”,  fueron realizadas gracias a una beca obtenida a través del Federal Art Project, una institución que ante la crisis generada por el crack del 29, y inspirándose en un proyecto mexicano, ofreció a los artistas de toda índole, unos montantes económicos para que pudieran realizar su trabajo.

De Diego siguió comentando aspectos humanos de Abbot, así como de su entorno:  su viaje a París y el hecho de conocer a Eugène Atget quien  creó lo que sería su obra más conocida: una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX, especialmente de aquellas zonas, oficios o modos de existir urbanos en desaparición, luego de las reformas que sufriera la ciudad desde mediados del siglo XIX, por iniciativa del barón Haussmann un fondo que, con posterioridad al fallecimiento de Atget – a quien la muestra dedica un espacio –seria adquirido con esfuerzo por Abbot, y cedido con mucho tiempo después al Museo de Arte Moderno de Nueva York.

El París documentado por Atget era el pasado,  no era el que conoció Abbot, de mujeres andróginas y liberadas, comentó la comisaria de la muestra, en comparación con la vertiginosa construcción inmobiliaria de Nueva York.

Antes de dar paso a las preguntas de los periodistas, de Domingo puso énfasis en  la fotografía científica,  la más interesante por los avances que Abbot retrató en este campo, y que le proporcionaron medios económicos suficientes gracias a ilustrar publicaciones científicas: Abbot reniega de su faceta artística en sus fotografías, ya que se considera documentalista.

Quien suscribe estas líneas está de acuerdo con respecto a la fotografía científica, pero en absoluto es desdeñable el resto de la muestra, aunque también se hace necesario destacar, que, como ya se peinan canas, tampoco ha causado gran impacto, y por una razón: la filmografía norteamericana de los años 30 y 40  enfocó en muchas ocasiones el Nueva York desde la perspectiva de Abbot.

La sección de retratos presenta un conjunto excéntrico de personajes, modernos a raudales en su época. Transgresores, intelectuales, críticos y crípticos, todos ellos salidos de la norma, controvertidos en todos los aspectos, pero también fascinantes, incluso en nuestros días.

Conviene mencionar por la escenografía que le rodea, al pintor Edward Hopper, célebre por sus retratos de la soledad contemporánea en los EE.UU durante los años cincuenta. Al escritor James Joyce, en dos imágenes que no dejan de resultar contradictorias: una extravagante de 1920 y otra más convencional de 1928, y las cuales, al igual que algunas otras, huyen de la vehemente masculinidad, para presentar una imagen más enigmática.

Aristócratas parisienses como la princesa Eugenie Murat, gentes de prestigio como Audrey McMahon, quien fuera directora del Federal Art Project entre 1935 y 1943, la periodista Jannet Flanner que firmaba con el pseudónimo de Genet, y que fue amiga personal de la escritora Djuna Barnes o George Antheil, pianista y compositor estadounidense configuran un universo homosexual elegante y sofisticado, al que ella pertenecía, al margen de su economía, de clase acomodada, muy en boga en la década de los 20 y 30, dentro de una sociedad todavía muy arcaica y cerrada de costumbres, que las clases populares no podían permitirse.

Con respecto a Nueva York, o mejor “Changing New York” realizado en 1939, se observan imágenes que ahora puede considerarse arquetípicas: edificaciones poderosas, de dominio económico, realizadas a través de diversos ángulos o posiciones, planos y contra planos,  destacando también perspectivas y puntos de fuga, siempre erectos, camino del cielo. Construcciones sin razones místicas como las iglesias y catedrales góticas, sino de imperio y potestad financiera, en una época plagada de contradicciones, como la subsistencia de los estadounidenses en la Gran Depresión,  y la aparición de estos inmuebles,  de marcado carácter económico.

Imágenes, algunas curiosas como la estatua de Abraham de Peyster, que fuera alcalde de Nueva York entre 1691-1694, y también gobernador de este estado con posterioridad, situada en el Bowling Green o la de Francis Patrick Duffy (1871-1932), sacerdote católico y el capellán castrense más condecorado del ejército de los EE.UU en Times Square. Estatuas clásicas en medio de una impresionante y abigarrada mole de edificios.

La contemplación de estas imágenes no dejó de recordarme a la Generación Perdida del mismo periodo: John Dos passos, Scott Fitzgerald, Ernest Heminway, John Steiberg o alguien no incluida en la misma como Thomas Wolf, que reflejaron en su literatura las vicisitudes y experiencias de los ciudadanos, en clara contraposición con ese Nuevo Mundo en construcción, donde el acero y el cemento eran los nuevos dioses urbanos, mientras iban subsistiendo pequeños comercios llenos de encanto. Negocios familiares que proporcionaron parte del sueño americano, de corte tradicional, con mercancías en el escaparate. Negocios de ultramarinos, ferreterías, anticuarios o tiendas de rapé muy populares también a nivel cinematográfico, en barrios donde la palabra sofisticación era inexistente.

Interesante destacar dos vistas de la ciudad, una diurna y otra nocturna. Una desde el cielo y otra desde el suelo, y siempre dentro de ese marco de inconmensurable poderío: Vista aérea de Nueva York de noche, 20 de marzo de 1936, y Cañón: Broadway y Exchange Place. A pesar de los años transcurridos, ambas resultan fascinantes.

Y otra fotografía cuya calidad documental es incuestionable es la que muestra la construcción del Rockefeller Center. Realizada en 1932 supone precisamente el exponente del empoderamiento antes comentado: arañar a la tierra espacio para asentar el inicio del significativo dominio mundial de los EE.UU.

Y confirmando las palabras de Estrella de Diego, sin lugar a dudas las fotografías de carácter científico resultan  innovadoras, gracias también a su inventiva ya que Berenice Abbott, desarrolló un proceso de iluminación especial que llamó "fotografía con imágenes proyectadas" e inventó y patentó equipamiento fotográfico para hacerlo. ​ Estos avances, le facilitaron la colaboración para la ilustración con fotografías científicas en diversas publicaciones entre 1958 y 1960, a petición del MIT.

Unas imágenes cuya creatividad parte de los fenómenos físicos, y que Abbot supo plasmar documentalmente y,  a pesar de renegar del arte fotográfico, su imaginación iba más allá de la evidencia. No cabe duda que hay magia en las mismas, atrapan al espectador, y si bien los avances a nivel de cámaras y objetivos pueden aportar la superación técnica de las mismas, el espíritu que estas fotografías emanan no es el mismo que en la actualidad.

Esas manos enjabonadas, esas pelotas rebotando, ese preguntarse si la luz es un fenómeno crepuscular, esas llaves inglesas asimétricas comportándose como objetos simétricos, las válvulas de radio o las ondas de agua cambiando de dirección son, realmente seductoras y fascinantes. Invitan a la imaginación de mundos inexistentes, cuando son reflejo de hechos y experimentos de la cotidiana realidad.

Finalmente, es de agradecer que los visitantes a la muestra, podamos conocer y disfrutar de algunas de las imágenes de la Colección Atget, por la cual Berenice Abbot, como ya se ha mencionado,  realizó un esfuerzo económico para la adquisición de una parte del mismas, ya que el gobierno francés consiguió en buena medida, una cantidad importane de fotografías del archivo (en 1920 Atget había vendido 2621 negativos y su amigo André Calmettes vendió otros 2000 más después de su muerte), pero en 1928, Abbott pudo comprar el resto.

Y a su vez, demostró una titánica voluntad para su promoción y reconocimiento por parte de las instituciones museísticas americanas.

Unas imágenes, algunas un tanto surrealistas en cuanto a composición, pero reales en su plasmación,  históricamente importantes para comprender ese “realismo sin adorno” de la transformación urbanística y también de comportamientos humanos.

En conclusión una magnífica exposición, como siempre bien estructurada, realizada con esmero y exhaustiva documentación, también comprobable gracias a un magnífico catálogo.

Es de esperar que Fundación Mapfre siga ofreciendo muestras de estas características, y nos permita sustituir nuestra ignorancia en cuanto a reproducción en imágenes, y nos siga mostrando el camino para saber ver y comprender la fotografía.

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