THE NATIONAL GALLERY (Londres) GAUGUIN Portaits

En ella podrán verse más de cincuenta obras, incluyendo pinturas, esculturas, grabados y dibujos, muchos de los cuales rara vez se han visto juntos, procedentes del Musée d’Orsay, Paris, France; The National Gallery of Art, Washington, DC, U.S.A; The Art Institute of Chicago, U.S.A.; The National Gallery of Canada; The National Museum of Western Art, Tokyo, Japan; y The Royal Museums of Fine Arts of Belgium.

Comisariada por Cornelia Homburg, curadora invitada de la National Gallery de Canadá, y Christopher Riopelle, curador de Neil Westreich para pinturas Post 1800 en la National Gallery, la muestra exhibe una obra en la que el artista francés, famoso por sus pinturas de la Polinesia Francesa, revolucionó el retrato, con la idea de mostrarse a si mismo y sus ideas sobre el arte.

Aunque era plenamente consciente de la tradición de los retratos occidentales, Gauguin rara vez estaba interesado en explorar la situación social, la personalidad o los antecedentes familiares de sus cuidadores, que había sido una de las principales razones para pintar retratos en el pasado.

Desde esculturas en cerámica y madera hasta pinturas y dibujos, una extraordinaria gama de medios para una exposición de la National Gallery, los visitantes verán cómo Gauguin interpretó a una modelo, o modelo específica a lo largo del tiempo, y con frecuencia con diferentes formas. Un grupo de autorretratos en la exposición, por ejemplo, mostrará cómo Gauguin creó una gama de personificaciones, incluida su autoimagen como Jesucristo. Junto con su uso del color intenso y su interés en el tema no occidental, su enfoque tuvo una gran influencia en los artistas a lo largo de los siglos XIX y XX, incluidos Henri Matisse y Pablo Picasso.

La exposición Credit Suisse: Gauguin Portraits mostrará cómo el artista, inspirado por el tiempo que pasó en Bretaña y en la Polinesia Francesa desde mediados de la década de 1880 hasta el final de su vida en 1903, se sintió fascinado por sociedades que a él le parecían cercanas a la naturaleza. Con su herencia y espiritualidad de cuento popular, estas comunidades le parecían muy alejadas de la industrialización de París.

La inspiración de Gauguin para visitar la Polinesia Francesa se debió en parte a las exóticas novelas de Pierre Loti (cuyo entrenamiento naval incluía una estadía en Tahití), sus fotografías de esculturas de Borobudur y exhibiciones en el Pacífico que había visto en la Exposición Universal de París en 1889. su propia educación en Perú le permitió pensar que él era alguien que estaba fuera de la tradición europea, un "salvaje", mientras que los círculos artísticos y literarios europeos en los que se mudó también ayudaron a configurar sus puntos de vista hacia Tahití y las Marquesas.

La vida y el arte de Gauguin se han sometido cada vez más a un escrutinio, especialmente durante el período que pasó en el sur de la Polinesia. The Gallery pretende explorar este tema controvertido en la interpretación de la exposición y el programa que lo acompaña, y unirse a las conversaciones que ahora tienen lugar y que tienen en cuenta las relaciones de Gauguin y el impacto del colonialismo a través de los prismas del debate contemporáneo.

Con imágenes de sus primeros años como artista hasta su última visita a los mares del sur, la exposición se divide seis ámbitos.  La primera sala de la exposición estará dedicada a los autorretratos; la más numerosa de todas las pinturas de Gauguin.

Al convertirse en su tema principal y al asumir diferentes personalidades, estas imágenes muestran a Gauguin reinventándose constantemente. En esta sala se incluye una cabeza áspera y grotesca de autorretrato con el pulgar en la boca, que demuestra su interés por la iconografía y el arte no occidentales, y también su experimentación radical en diferentes medios (maceta antropomórfica, piedra arenisca esmaltada, 1889, Musée d ' Orsay, París).

La Sala 2 está dedicada al período que pasó en Bretaña (1884–91), donde, en la remota aldea de Le Pouldu, le dio la espalda a su vida como corredor de bolsa de París para convertirse en la figura principal de una nueva colonia de artistas.

Esta sala también contiene retratos de algunos de los amigos que había hecho en París y de miembros de su familia, como Madame Mette Gauguin en Vestido de noche, 1884 (Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño, Oslo). En pinturas como Soyez Symboliste: Portrait of Moréas (1890–91, Talabardon & Gautier, Paris) y Young Breton Girl, (1889, Colección privada) Gauguin comenzó a empujar los límites del retrato evitando sus convenciones habituales de semejanza, halagos y coherencia del tiempo y del espacio.

Las siempre tormentosas relaciones de Gauguin con sus compañeros artistas se exploran en la sala 3, particularmente dos amigos clave que, a pesar de tener relaciones con él, permanecieron como sujetos de retratos durante el resto de su vida: Vincent van Gogh y Meijer de Haan.

Un grupo de retratos de de Haan muestra cómo se convirtió en un cifrado simbólico dentro de su trabajo que sobrevivió a su amistad (y la propio de Haan), extendiendo las posibilidades de retratarse en algo nuevo en diferentes medios, como el busto de madera de De Haan (1889-90, The National Gallery de Canadá).

El ámbito número 4 cubre el primer viaje tahitiano de Gauguin (1891-93), donde buscó un escape de la "civilización", pero siempre con un ojo en Francia, y cómo intentaba y no pudo penetrar en el mercado de arte parisino a distancia. Además de incluir pinturas de Teha'amana a Tahura, esta sala también realiza un seguimiento de sus experimentos continuos en diferentes medios, que hacen referencia directa a los objetos indígenas que lo rodean, en obras como Tehura (Teha'amana) en madera, (1891 –93, Museo de Orsay, París); y Arii Matamoe (The Royal End), (1892, Museo J. Paul Getty, Los Ángeles).

Con su regreso a París y Bretaña y su segunda estadía en Tahití (1893–95), la sala 5 también incluirá obras que contengan imágenes claramente tahitianas. En un retrato realizado en Bretaña, se muestra a una joven bretona en oración con un vestido misionero tahitiano (Young Christian Girl, 1894, Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, EE. UU.); mientras que en el Retrato del artista (anverso), (1893–4, Musée d'Orsay, París) se puede ver el cuadro Manao Tupapau (El espíritu de los muertos que miran), cuya impresión también estará en exhibición (1894 , Galería Nacional de Canadá).

El ámbito 6 tiene una selección de retratos en los que Gauguin usó objetos simbólicos, dispuestos en bodegones, para representar figuras ausentes. Estos retratos en sustitución habían sido parte del repertorio de Gauguin desde la década de 1880, pero esta sala muestra cómo adquirieron una importancia cada vez mayor durante el aislamiento de sus últimos años. Incluyen retratos representativos de Van Gogh, su antiguo amigo que había estado muerto durante una década, que representa las floraciones de semillas de girasol enviadas desde Francia (como Girasoles con "Esperanza", 1901, Colección privada, Milán); Gauguin pudo haber sido el primero en comprender que los girasoles eran el motivo distintivo de Van Gogh y que él sería famoso por ellos.

La sala final de la exposición estará dedicada a los retratos tardíos de Gauguin. A pesar de una enfermedad recurrente y una disminución en la cantidad de su producción, el retrato siguió siendo esencial para el arte de Gauguin en sus últimos años en la isla marquesina de Hiva Oa. Su uso de los retratos para expresar su papel en la política local se refleja en la forma de la escultura tallada en madera hecha para la casa que él mismo construyó caricaturizando al obispo local, Père Paillard, como un diablo lujurioso (Père Paillard, 1902, Galería Nacional de Arte. , Washington DC). Su último autorretrato, quizás el más simple y directo de todos, probablemente realizado poco antes del final de su vida, de 55 años, cierra la exposición (Autorretrato, 1903, Kunstmuseum Basel).