DESERT PAINTERS OF AUSTRALIA II
Nuevamente la Gagosian apuesta por la pintura australiana, y presenta del 26 de julio al 6 de septiembre la segunda parte de Desert Painters of Australia, (Pintores del desierto australiano), muy aclamada por la crítica, y que de nuevo es posible ofrecer, gracias a la colección de Steve Martin y Anne Stringfield. Esta es la primera vez que se mostrará el trabajo de artistas australianos indígenas en Los Ángeles desde Icons of the Desert en el Museo Fowler de UCLA en 2009.
Evolucionar a partir de rituales ancestrales de fabricación de marcas practicados durante muchos miles de años, como talla de árboles, pintura corporal y dibujo de arena, pintar sobre lienzo es un fenómeno bastante reciente para los australianos indígenas remotos, vinculados al desplazamiento forzado a fines de la década de 1960. de comunidades como los pueblos Pintupi, Luritja, Warlpiri y Arrernte al asentamiento de Papunya en el Territorio del Norte. Esta agitación social creó inadvertidamente un centro resiliente de producción artística: de la obra comunitaria sobre lienzo, pared y suelo surgió el movimiento que ahora se conoce como pintura del Desierto Occidental.
Ampliando la exposición de Nueva York, esta segunda parte ocupa las dos galerías de la planta baja, con pinturas de tres generaciones de destacados artistas. Estas pinturas convincentes que encarnan el poder ancestral ofrecen de todo, desde patrones geométricos dinámicos hasta imágenes topológicas, canalizando diversas concepciones de la tierra, la vida humana y el paso del tiempo. Ellos promulgan el recuento de "país", un proceso que permite que el arte afecte con fuerza el espacio y el mundo que ocupan sus creadores. Mientras que sus predecesores hicieron uso de símbolos e ideogramas tradicionales, los artistas de Papunya Tula trabajaron para sublimar las referencias abiertas con el fin de proteger los diseños sagrados. En su mayoría, artistas masculinos y femeninos desarrollaron enfoques estilísticos divergentes:Yunula (2009), una pintura profundamente rítmica cuyos trazos tonales comprimidos evocan un terreno reluciente al oeste de la comunidad Kiwirrkurka.
La serie Rockholes y Country cerca de Olgas (2007) de Bill Whisky Tjapaltjarri usa puntos y líneas contorneadas para trazar una vívida topografía de las rocas y colinas alrededor de la mítica Olgas en Australia Central. La escala y la perspectiva colapsando, sus paisajes formidables se adaptan a la edad y al tiempo por igual. Tres pinturas separadas pero relacionadas revelan una paleta exploratoria, desde azules acuosos y verdes hasta amarillos y ocres. Sin título de Willy Tjungurrayi (2001) ejemplifica una técnica de puntos diferente en la que una granizada se presenta como una miríada de diminutos puntos pálidos, que vibran con energía para sugerir los efectos del clima en un paisaje seco. Estas obras, junto con otros temas geográficamente específicos de Naata Nungurrayi y Makinti Napanangka, demuestran enfoques multivalentes para representar sitios sagrados o históricos, mediante los cuales se mapea el mundo real junto con los reinos conceptuales, liminales de los sueños y la memoria.
Emily Kngwarreye, una anciana de Anmatyerre del área del Desierto Central y una de las famosas Pintoras del Desierto, tanto en Australia como en el extranjero, se centró en las actividades de las mujeres, desde la fabricación de batik y la cosecha de cultivos de temporada. Comenzando a pintar a finales de los setenta, se movió rápidamente a través de una sorprendente gama de estilos inventivos, desde los campos de colores de Wild Yam y Emu Food (1990) que fluyen libremente y con delicadeza, hasta las pinceladas salvajes y urgentes de Kame Yam Awelye (1996). ) y las líneas sinuosas y gráficamente audaces de Alhakere (1996).
A pesar de sus aparentes afinidades con muchas tendencias modernistas formales y conceptuales, la pintura indígena australiana se ha mantenido relativamente aislada, derivando en su lugar del rico corpus de historias, recuerdos, leyes y costumbres de sus creadores. Universalmente afectivo, su lenguaje visual fascinante se resiste a la interpretación didáctica externa: cuanto más se mira uno, más se sienten las inscripciones culturales contenidas allí que cambian el significado y el contexto a medida que circulan, y su valor intrínseco en los flujos interculturales que abarcan los hemisferios.
A través de su similitud superficial con la abstracción occidental, [las pinturas] efectúan una emocionante inversión de las reglas de nuestros museos y mercados, y trazan un nuevo tipo de cosmopolitismo que abarca siglos y continentes.
—Jason Farago, New York Times
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